Je croyais avoir une chaîne YouTube incohérente. En réalité, je documentais déjà un écosystème.

27 février 2026 – Quelque part en Asie… Ma chaîne YouTube existe depuis suffisamment longtemps pour avoir traversé plusieurs versions de moi-même. Au départ, beaucoup de vlogs. Des morceaux de route, des essais, des vidéos tournées presque instinctivement pour garder une trace, plus que pour “faire du contenu”. Contre toute attente, ça a construit une petite communauté d’environ 3000 personnes. Ce qui reste honnêtement assez étrange quand j’y pense, parce qu’à l’époque j’avais surtout l’impression de lancer des bouteilles à la mer numériques entre deux projets et trois câbles HDMI.

Puis sont arrivées des vidéos plus construites. Le photomaton (DIY Photomaton 1/4 – Vlog #43), par exemple. Le genre de projet où je me suis dit : “ok, cette fois on essaye vraiment de fabriquer quelque chose proprement”. Plus de narration, plus de réalisation, plus de technique assumée.

Et ensuite, il y a eu la maison. Pas seulement comme décor, mais comme sujet à part entière. Un lieu qui grandissait vidéo après vidéo, jusqu’à devenir presque un personnage secondaire récurrent de la chaîne. Les structures lumière, les travaux, les résidences, les tournages, les expériences techniques… tout commençait à se mélanger. Si on regardait la chaîne rapidement, ça ressemblait honnêtement à un joyeux chaos :

• vlog personnel
• expérimentations créatives
• making-of
• chantier
• tests techniques
• collaborations
• live sessions
• domotique
• streaming
• construction de décors improbables…

Un peu comme un disque dur externe nommé “TRI_FINAL_V2_OK” retrouvé après une nuit blanche (problème partiellement traité après que J’ai écrit ma première mini formation !). Pendant longtemps, j’ai cru que le problème venait de là. Que je n’avais pas encore trouvé “la bonne niche”. Le bon format YouTube. Le truc suffisamment clair pour l’algorithme, les humains et probablement une partie de ma propre santé mentale. Et puis, au début de cette année, quelque chose a changé. Pas une révélation mystique avec lumière céleste et Hans Zimmer en fond. Plutôt un lent réalignement.

Revoir les anciennes vidéos autrement

En replongeant dans les anciens contenus pendant les premières réflexions autour du futur de ma vie, j’ai commencé à voir quelque chose que je n’avais jamais vraiment formulé clairement. Je ne changeais pas réellement de sujet : je changeais d’angle.

Les vlogs ne parlaient pas “d’autre chose”. Ils documentaient le mouvement, les rencontres. Les moments où les idées apparaissent avant même d’avoir une forme exploitable. Les vidéos plus fabriquées montraient autre chose : la couche conception. Le passage entre une intuition et un objet réel. Toute la partie invisible faite de tests, d’erreurs, de contraintes techniques et de bricolages, parfois absurdes pour faire tenir une idée debout. Et les vidéos autour de la maison documentaient finalement le terrain de jeu lui-même. Le contexte physique qui rendait progressivement tout le reste possible. Je pensais documenter des projets séparés. En réalité, je documentais déjà les différentes couches du même système : Humain, Fabrication, Lieu.

Le mot “écosystème” a commencé à faire sens

Pendant longtemps, je me suis méfié de ce mot. “Écosystème” sonne très vite comme un terme LinkedIn utilisé par quelqu’un qui vend une masterclass à 1800€ sur “l’alignement entrepreneurial quantique”. Mais plus j’avançais dans les recherches, plus ce terme devenait simplement… précis.

Parce qu’un écosystème, au fond, c’est quoi ? C’est un ensemble d’éléments qui interagissent et se transforment ensemble. C’est exactement ce qui se passait depuis des années sans que je le formule vraiment :

• une rencontre dans un vlog finit dans une collaboration
• un test technique devient un outil utilisé en prestation
• la maison influence les formats vidéo
• une résidence produit un documentaire
• une idée née pendant un voyage revient des mois plus tard dans une live session
• un besoin de tournage pousse à développer une infrastructure technique

Et cette infrastructure devient ensuite la base de NGCLab : rien n’était isolé. La chaîne ne racontait pas une suite de contenus : elle documentait déjà une construction.

La technique n’était pas “à côté” de la création

C’est probablement l’autre chose importante que j’ai comprise récemment. Pendant longtemps, j’ai eu tendance à séparer mentalement les couches : la création d’un côté, la technique de l’autre. Alors qu’en réalité, toute la partie technique est devenue la fondation invisible de tout le reste.

Le réseau 10G, les serveurs, le stockage. Les réseaux, le Wi-Fi maillé dans toute la maison, les automatisations. Les lumières pilotées, le systèmes de streaming, le son et les espaces modulaires…

Tout ça ne sert pas “la tech” : ça sert la circulation des projets. C’est précisément là que le Lab a réellement commencé à émerger au milieu du Studio : au moment où toutes ces expérimentations ont cessé d’être des passions séparées pour devenir une infrastructure cohérente. Pas un laboratoire théorique : un laboratoire vivant.

Je ne reprends pas vraiment YouTube

Du coup, avec un peu de recul, je crois que je ne suis pas en train de “revenir sur YouTube”. La chaîne n’était pas arrêtée. Elle attendait surtout que je comprenne ce qu’elle racontait depuis le début. Aujourd’hui, je vois beaucoup plus clairement le fil rouge : un lieu qui évolue, des systèmes qui se construisent, des humains qui circulent, des idées qui mutent, des outils qui apparaissent, et des projets qui se répondent. Et au milieu de tout ça, une caméra. Pas forcément pour produire du contenu au sens classique du terme, plutôt pour garder une trace du processus pendant qu’il existe encore.

La suite sera probablement toujours un peu chaotique. Il y aura encore des vlogs, des expérimentations techniques, des captations, des résidences, des réflexions, des constructions, des tests absurdes qui finiront parfois à 3h du matin avec un tournevis et un switch réseau ouvert sur la table. Mais honnêtement, je crois que c’est précisément ça, le sujet. La différence, c’est que maintenant je sais ce que je regarde.

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Transformer une voiture, c’est technique. Montrer cette transformation, c’est autre chose. Ce jour-là, on a testé comment la lumière et la projection pouvaient rendre visible ce qui, normalement, ne se voit pas.

Quand la technique devient un sujet d’image

30 avril 2024 – NGCStudio. Geoffrey, derrière la chaîne Le Bricolage c’est cool, arrive avec sa voiture sans permis en cours de transformation. Son objectif est clair : documenter le passage du thermique à l’électrique, avec sa méthode ingé habituelle, autonome, caméra en main, au plus proche de ce qu’il fait. De mon côté, je ne touche pas à la mécanique : mon terrain de jeu, c’est tout ce qui permet de rendre cette transformation lisible à l’image : lumière, projection, ambiance. On ne cherche pas à produire un tuto, Geoffrey s’en charge déjà très bien. L’idée, c’est plutôt de tester comment on peut “augmenter” ce type de contenu, sans le dénaturer.

Le premier sujet, c’est la lumière. Un projet comme celui-là, en conditions normales, se filme souvent avec une lumière assez plate, fonctionnelle. Ici, on essaye autre chose : garder la lisibilité technique, tout en introduisant une lecture visuelle. On travaille par zones : un composant, une source. On évite d’éclairer tout en même temps pour ne pas perdre le regard. Ça demande de rester léger, parce que Geoffrey bouge, démonte, remonte, change de position en permanence. Le setup reste volontairement simple, mais pensé : sources directionnelles pour isoler certaines zones, remplissage doux pour garder de la lecture, gestion des reflets sur la carrosserie (toujours piégeux). L’objectif n’est pas de styliser à fond, mais de révéler sans compliquer.

La projection comme couche de lecture

Là où ça devient intéressant, c’est avec le vidéoprojecteur. On commence à projeter des formes simples sur la voiture. Des lignes, des mouvements, des patterns. Rien de trop précis, mais suffisamment pour suggérer des flux, des circulations. Ce n’est pas du mapping “parfait”, c’est une couche visuelle. Une manière de donner une représentation à quelque chose d’abstrait : le passage de l’énergie, la transformation du système. Ça marche… à condition de rester subtil. Trop en faire, et on perd complètement la lecture du geste technique. Pas assez, et ça disparaît. C’est un équilibre assez fin.

Ce qui rend le truc intéressant, c’est que Geoffrey filme lui-même la majorité du temps. Il garde sa manière de faire, très directe, très proche de l’action. Nous, on vient autour, on adapte la lumière, on ajuste les projections, on observe ce qui fonctionne ou non. Rien n’est figé. Le setup vit avec le tournage, et ça, c’est important. Parce que ça évite de transformer un projet simple en usine à gaz. On reste dans quelque chose de léger, réactif, presque improvisé par moments.

Sortir du studio pour tester le réel

À un moment, il faut sortir : on embarque la voiture pour quelques plans roulés autour de la maison. Routes de campagne, chemins, un peu de relief. Geoffrey continue de filmer, et moi je me retrouve… dans le coffre de la voiture de Toto, à essayer de stabiliser ce que je peux. Ce genre de plan qui n’a rien de propre, mais qui apporte immédiatement quelque chose de vivant. Et surtout, ça permet de voir si tout ce qu’on a construit tient en dehors du studio. Ca tient… à peu près, mais c’est suffisant pour valider des choses.

Ce test confirme un point assez simple : pas besoin de complexifier énormément pour enrichir un contenu technique. Quelques ajustements bien placés peuvent suffire : une lumière pensée plutôt que subie, une projection légère pour suggérer, un minimum de cohérence dans les plans. Le reste, c’est surtout une question de regard. Ce type de tournage ouvre pas mal de pistes : comment aller plus loin sans alourdir ? Comment garder cette spontanéité tout en ajoutant des couches visuelles ? Comment connecter encore mieux ce qui se passe techniquement avec ce que l’on perçoit à l’image ? J’ai pas encore toutes les réponses, mais on commence à voir les bonnes questions. Et comme souvent, c’est déjà un bon point de départ

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Ajouter des caméras, des machines et des écrans, c’est facile. Faire en sorte que tout circule sans se marcher dessus… c’est là que ça devient intéressant.

Quand tout s’additionne (et qu’il faut commencer à réfléchir)

Juin 2024 – NGCStudio. Ce week-end-là, rien n’est fondamentalement nouveau. Le studio sait déjà gérer plusieurs flux, plusieurs caméras, de la projection, de la lumière, du live. Mais ici, tout arrive en même temps, et surtout, tout s’accumule.

Quatre postes de jeu, chacun avec sa machine et son écran. Un poste spectateur pour récupérer les données de course, les classements, les temps. Une régie OBS, une machine dédiée à la lumière et à la projection, des écrans de retour un peu partout… et huit caméras qui regardent tout ça. Individuellement, chaque brique est simple. Ensemble, ça commence à former quelque chose de plus dense. Et surtout, tout doit fonctionner en continu, sans pause, sans hésitation.

Le piège, dans ce genre de setup, c’est de continuer à empiler. Ajouter une caméra, puis un écran, puis un flux, parce que ça fonctionne. Jusqu’au moment où ça ne devient pas instable… mais illisible. C’est exactement ce qui se passe ici : rien ne casse. Mais on sent que ça demande un effort de compréhension supplémentaire. Une seconde de trop pour savoir d’où vient une image, où elle va, ce qu’elle représente. Avec John et Ange, on commence à poser des repères. Pas en ajoutant, mais en organisant. La matrice vidéo devient un point central, OBS arrête d’être un simple outil de diffusion pour devenir un carrefour. Chaque flux doit avoir une fonction claire. Sinon, il disparaît. À ce stade, la question n’est plus “est-ce que ça marche ?” : c’est “est-ce que c’est lisible ?”.

Voir moins, mais mieux

Ce qui ressort assez vite, c’est que le problème n’est pas la quantité d’information. On a tout ce qu’il faut : caméras pilotes, angles plateau, données de course, retours pour les commentateurs, écrans pour les joueurs. Le problème, c’est le choix. Un bon système ne montre pas tout : il montre la bonne chose, au bon moment. Et pour ça, il faut accepter de simplifier, de hiérarchiser, de renoncer à certaines possibilités pour garder une lecture claire. Sinon, tout est là… mais rien ne ressort vraiment.

Les flux qui ne passent pas par des câbles

Un autre truc devient évident pendant le week-end : les flux ne sont pas que techniques. Les pilotes tournent, changent, s’installent, repartent. Les techniciens ajustent en permanence. Les invités arrivent, se calent, participent. Rien n’est figé, tout circule, et le système doit absorber ça. Pas le contraindre, pas le ralentir, mais l’accompagner sans se faire remarquer.

Ce genre de setup est intéressant pour une raison simple : il atteint un point où on ne peut plus se contenter de bricoler. Pas encore assez gros pour être totalement structuré, mais déjà trop dense pour rester intuitif. On commence à voir le système. Pas comme une liste de matériel, mais comme quelque chose qui a ses propres règles. Qui circule, qui respire, qui peut saturer… ou au contraire devenir fluide. Et honnêtement, c’est là que ça devient vraiment fun ! Parce que c’est aussi là qu’on commence à comprendre comment le faire évoluer

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Reprendre un vlog après 6 ans, ce n’est pas juste rallumer une caméra. C’est retrouver un système… et voir tout ce qui a changé entre-temps.

Reprendre, mais pas comme avant

2022–2023 — NGCStudio. Le retour au vlog arrive un peu sans prévenir. Ou plutôt, il était là depuis longtemps, mais jamais vraiment prioritaire. Entre les projets, les travaux, les tournages… il y avait toujours autre chose à faire. Et puis à un moment, ça revient. Pas comme une envie de “refaire du contenu”, plutôt comme un besoin de remettre de l’ordre dans tout ce qui s’est accumulé. Parce qu’entre temps, le système a évolué. Beaucoup.

Un système qui s’est construit sans le dire

Ce qui est frappant en reprenant la caméra, c’est que tout est déjà là. Le studio, la régie, les machines, les lumières, les workflows… Mais rien n’a vraiment été documenté de manière continue. Tout s’est construit par couches, projet après projet, test après test. Le vlog devient alors une manière de reconnecter les points. Pas de tout expliquer, juste de remettre en perspective.

Sur quelques semaines, les contextes s’enchaînent. Un drone qu’on répare et qu’on teste après deux ans sans voler. Un mariage à filmer avec un setup simple, mais efficace. Une captation live en salle, avec des configurations mobiles (Backstage tournage Spelim). Des tournages en studio, avec scénographie, projection, fond vert… Rien de spectaculaire individuellement. Mais ensemble, ça dessine quelque chose : le même espace sert à tout, avec les mêmes outils… mais jamais de la même manière.

Le studio comme base, pas comme finalité

Le point commun, c’est le lieu. Le studio devient une base. Un endroit où l’on peut tourner, tester, préparer, réparer, réfléchir. Mais aussi un endroit qui évolue en permanence : un support de vidéoprojecteur qu’il faut adapter, un ampli à remettre en route, un câble à repenser pour éviter de démonter la moitié d’un meuble. Ce ne sont pas des “détails techniques” : c’est ce qui permet au reste de fonctionner sans friction.

Il y a aussi des moments plus expérimentaux. Tester un vidéoprojecteur comme fond vert pour simplifier l’éclairage. Explorer les possibilités d’un casque VR avec caméra couleur. Imaginer une visite virtuelle du lieu, directement dans Unreal. Rien n’est encore finalisé, mais tout est déjà en train de prendre forme.

Une autre manière de produire du contenu

Le retour au vlog change aussi la manière de travailler. Avant, je faisais tout. Maintenant, Corentin prend une partie du montage. Et forcément, ça change l’équilibre. Je peux passer plus de temps sur l’écriture, sur la structure, sur ce que je veux raconter. Le contenu devient moins immédiat, mais plus construit. Moins de réaction : plus d’intention. Le NGCVlog 50 ne raconte pas une histoire précise, mais il montre un état. Un moment où tout coexiste les projets en cours, les tests, les galères techniques, les idées qui arrivent, celles qui traînent depuis des mois. Rien n’est terminé, mais rien n’est bloqué non plus.

Et la suite ?

Le plus difficile, finalement, ce n’est pas de produire. C’est de choisir quoi raconter. Parce qu’il y a toujours plus de choses à montrer que de temps pour le faire. Et que tout ne mérite pas forcément d’être documenté de la même manière. Mais une chose est sûre : Le système est là. Et maintenant, il commence à se raconter.

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Aujourd’hui, je vous présente Spelim, et comment on a tourné un de ses clip ensemble. Vous verrez le processus de création et les défis auxquels nous pouvons répondre grâce aux outils à notre disposition !

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Après les premiers tests, on commence à assembler les briques. Mouvement, tracking, lumière, projection… et forcément, tout devient plus fragile.

Tout mettre ensemble : mauvaise idée… donc excellente

15 octobre 2023 -NGCStudio. Jusqu’ici, j’avais testé les choses séparément. Le fond vert, le mouvement avec le tapis, la lumière liée au décor, Unreal… chaque brique fonctionnait à peu près dans son coin. Là, l’idée est simple : tout additionner. Pas pour faire un test, mais pour faire un clip. TitFreaks arrive avec un morceau assez introspectif. Un texte sur le fait d’avancer, de grandir, de traverser des périodes. Ça tombe bien : le projet peut porter une progression visuelle. On part sur un plan séquence, une continuité, sans découpage pour tricher.

Je construis les environnements dans Unreal, en allant chercher des assets gratuits pour aller vite. L’objectif n’est pas de tout modéliser, mais de tester un rendu cohérent. On part sur quelque chose de post-apocalyptique, avec un ciel chargé, des orages en fond, une ambiance un peu suspendue. Le tournage commence dans le réel : un salon, un personnage qu’on suit, une préparation. Puis on bascule progressivement vers le studio. Le fond vert est là, visible. Et à mesure que le plan avance, il se transforme. Ce qui est intéressant, ce n’est pas le résultat final : c’est la transition.

Le fond vert… projeté

Gros changement sur ce tournage : le fond vert n’est plus seulement un tissu. Le vidéoprojecteur est assez puissant pour projeter un fond vert exploitable sur une surface plane, au moins en plan américain. La lumière est étonnamment régulière, et les reflets restent maîtrisés si on garde un peu de distance. Ça ouvre une possibilité intéressante :

• moins d’installation
• une surface plus propre
• une lumière homogène

Et surtout, une meilleure séparation avec le sujet. C’est encore limité, mais suffisamment fiable pour être utilisé dans ce contexte.

Tracking : l’iPhone comme capteur

Autre évolution : le tracking. Je teste une solution basée sur l’iPhone et son LiDAR. L’idée est d’utiliser les capteurs du téléphone pour récupérer la position et les mouvements dans l’espace, et les transmettre à Unreal. En théorie, ça permet de : suivre les déplacements, adapter le décor en fonction et renforcer la cohérence des perspectives En pratique, ça fonctionne… mais pas parfaitement. Le tracking est prometteur, mais sensible. Un léger décalage, une latence, et l’illusion se dégrade. On sent que ça peut marcher, mais que ce n’est pas encore totalement fiable pour un usage fluide. Quoi que !

Simplifier là où c’est possible

Pour la lumière, je fais un choix inverse. Plutôt que de piloter en direct depuis Unreal, je passe par Sunlite. Trois scènes lumineuses, pensées en amont pour correspondre aux décors. On switch entre elles au bon moment. C’est moins “magique”, mais beaucoup plus stable. Et surtout, ça permet de garder une cohérence sans ajouter une couche de complexité supplémentaire.

Mouvement, enfin… presque

Le tapis de marche revient. Cette fois, intégré dans un vrai plan. On passe par plusieurs phases : statique, déplacement réel et simulation de marche, puis position finale. À la fin, TitFreaks se retrouve assis, dans un décor qui n’existe pas physiquement. Une vallée, un ciel orageux, des éléments qui flottent. Entre-temps, une équipe est passée dans le cadre pour déplacer des éléments, ajuster, transformer le plateau. Tout se fait à vue.

Assembler toutes les briques ne rend pas le système plus puissant : ça le rend plus exigeant. Chaque élément fonctionne, mais leur combinaison amplifie les défauts :

• tracking encore instable
• transitions délicates
• cohérence lumière / décor à maintenir
• précision des mouvements

On ne peut plus se contenter de “ça marche à peu près”. Ce projet ne valide pas une méthode : il montre plutôt où sont les limites actuelles. Mais aussi une chose importante : on commence à s’approcher d’un point où tout peut dialoguer. Le réel, le virtuel, le mouvement, la lumière. Pas encore parfaitement, mais suffisamment pour continuer.

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Un séminaire interactif de 4 jours, 50 participants sur Zoom, 8 heures par jour, yoga, interventions, exercices, projection, multi-caméras. House 2.3 montre le setup complet en conditions réelles : flux vidéo, régie, écrans, NDI, projection et organisation humaine.

Deux côtés, un système

Juillet 2023 – NGC Studio. D’un côté : Thomas. Vidéoprojecteur derrière lui, trois écrans face à lui, et un espace dégagé pour le yoga et les mouvements. De l’autre : la régie, en hauteur, sur la mezzanine, séparée du plateau, avec vue sur tout. Cette séparation change tout : l’an dernier (Séminaire Thomas Burbidge 2022), la régie était sur le plateau. Cette année, j’embauche un réal (Geoffrey) : je peux remonter la régie là-haut. Le plateau et la régie respire. Moi aussi. Thomas a besoin de voir trois choses : Zoom (mosaïque, participants, interaction), sa présentation, ses notes / scripts. Donc :

• Écran 1 → son ordinateur (Zoom + scripts)
• Écran 2 → sa présentation (ordinateur dédié derrière)
• Écran 3 → mosaïque Zoom administrée par Diane

Les flux sont dupliqués via splitters HDMI. Une sortie pour l’écran local. Une autre qui remonte en fibre HDMI vers la régie. Tout est pensé pour qu’il regarde vers la caméra, voie ses infos, et ne tourne pas la tête dans tous les sens. Comparé à l’an dernier (TV posées sur des cartons…), on a un vrai setup :).

La projection 9 mètres

Le vidéoprojecteur laser 7000 lumens est avancé. Résultats : un couverture plus large du cyclo, moins de lumière parasite sur Thomas, et plus d’espace utilisable sur scène. On gagne presque 4 à 5 mètres autour sans être pollué par la projection. Le fond est propre. L’éclairage fixe prend le relais. MadMapper gère tout l’affichage : fonds animés, transitions, écrans d’attente, habillages. C’est peut-être “overkill”, mais ça donne une vraie identité visuelle.

La régie en mezzanine

Là-haut un poste OBS avec Geoffrey à la réal (8 entrées HDMI 4K via Blackmagic), le poste de Diane (administration Zoom), et un poste lumière/vidéo projection. OBS est le cœur. Multiview actif : 3 caméras (dont une recadrée numériquement pour simuler une 4e), écrans d’attente avec timers, PC Diane, présentation Thomas. Tout est routé intelligemment :

• HDMI → splitter → écran local + fibre vers régie
• Présentation → splitter → écran plateau + régie + Zoom
• Retour régie → distribué dans toute la maison

NDI et fibres HDMI assurent les liaisons longues distances. C’est dense, mais logique.

La diffusion interne

4 micros serre-tête loués chez AVEI, gérés via une console analogique. C’est le dernier point faible. Pas encore de compression avancée, pas d’EQ fine, pas de routing sophistiqué. Ça fonctionne, mais je sais déjà que la prochaine étape sera une console numérique. Dernière subtilité, des écrans secondaires partent de la régie vers la TV du plateau, celle du bureau, et celle du séjour. Je passe par un HDMI fibre + répartiteur RJ45/HDMI. Résultat : Si je suis en cuisine, quelqu’un prépare à manger, gère un imprévu : on sait toujours où on en est. C’est un détail, mais c’est structurant.

Oui, ça fait beaucoup de matériel, de câbles, pour “juste un séminaire avec une personne”. Mais en réalité, ce n’est pas un séminaire. C’est un système interactif avec 50 personnes en visio, pendant 4 jours, de 8h à 20h, avec du yoga, des ateliers, exercices, transitions, pauses programmées… Et tout doit être stable. Plus de 100 heures de live à la maison m’ont permis d’arriver ici, ce n’est pas improvisé : régies séparées, éclairage fixe, projection optimisée, setup plus propre et réal dédié. Je ne suis plus en train de courir partout. Je peux me concentrer sur le reste. Le système tient.

Suite série House :

• Config streaming : les ordinateurs ! [House 2.1]
• J’installe 33 metres de structure à la maison ! [House 2.2]
• Gérer un live intéractif avec 50 personnes ! [House 2.3]
• Reprendre le pouvoir sur son activité, avec Thomas Burbidge ! [House 2.4]

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